Metaforms: Den indonesiske kunstneren Handiwirman Saputra

"Hva betyr det?" I disse dager møter vi fortsatt dette spørsmålet når vi står overfor et kunstverk. I Handiwirman Saputras kunstneriske praksis har spørsmålet ingen svar. Som billedkunstner er Handiwirman sikker på at det han presenterer er en slags visjon, en manifestasjon, en form; ikke en mening. En av måtene å unngå å bli fanget i behovet for mening, intensjon, sans og så videre, er å endre dette klisjéspørsmålet.

"Hva er det?" Svaret kan være enkelt, eller kanskje ikke. Objektet er selve objektet. Det er et maleri, en skulptur, et objekt, en installasjon, et fotografi og så videre. Det som er sikkert er at det er et kunstverk - sammen med alle verdiene som følger med det.

Handiwirmans arbeid er ikke svaret på noen form for spørsmål; det er heller ikke et spørsmål om noe som helst. Handiwirmans arbeid er noe å se og oppleve. Seeren har rett til å gi sin opplevelse av å se sin egen mening. Seeren har rett til å bygge det forholdet de vil med objektet som kunstneren presenterer. Hvis de ønsker det, har seeren selvfølgelig riktig skjenking på arbeidet de ser på.

For å sitere ST Sunardi, "I bunn og grunn ber kunstverket om å bli sett."

Så foran et kunstverk er det bare å se. Når du har sett, hva liker du? Eller ser du noe som pirrer nysgjerrigheten din? Hvordan tolker du den visuelle opplevelsen? Er du interessert i å åpne en dialog med det du har sett? Således skifter ikke seeren bare til publikums posisjon, men blir en del av hele arrangementet: presentert. De opplever arbeidet og dermed blir de en del av arbeidet.

Kunstnerens ambisjoner er enkle: Nåværende former, manifestasjoner, visjoner, som innbyr til opplevelse. Hva slags opplevelse forventer han? Samme det. Det kan være en opplevelse av dannelse, det kan være skjønnhet, eller det kan til og med være et verktøy for diskusjon som er utenfor manifestasjonen.

Stikkordene i Handiwirmans kunstneriske praksis er: å oppleve, erfare, oppleve, behandling, atferd, objekter, manifestasjoner, visjoner. For ham er det umulig å snakke, kommunisere eller få kontakt med noen uten delte - eller i det minste lignende - opplevelser. Han forestiller seg prosessen med å lage arbeidet, og hvordan en person liker arbeidet, for å være den samme tingen.

“Hvis det er noe som kan kalles rent uttrykk, er det bare en gal mann som har det. Han har ingen hensikt. Han tegner bare for å tegne. Som Suyar, den gale mannen som liker å tegne i nærheten av campus. Jeg likte å se på den måten han tegnet. Da bestemte jeg meg for at for å oppnå noe som kunne kalles rent uttrykk, måtte du være som Suyar. ”

Handiwirman hadde oppdaget flere betydelige måter å tenke på i sin kreative prosess, særlig angående de mimetiske intensjonene til realistiske malerier. I følge ham har tradisjonen med realistisk maleri et sterkt grunnlag i estetiske interesser som er helt ikke-objektive. Når en kunstner hevder å forskyve et ‘stilleben’ på lerret, følger de faktisk, bevisst eller ubevisst, logikken i todimensjonal avbildning, som alltid er begrenset av maleriets skala og egenskaper. På grunn av dette reflekterer faktisk ikke skjønnheten som et landskapsmaleri utstråler naturens skjønnhet.

“Så begynte jeg å tenke på å male igjen. Hva slags uttrykk kan sees på som rent? ”

Handiwirmans separatutstilling ‘Material Matters’, kuratert av Enin Supriyanto og bestilt av Fumio Nanjo, ble vist på TOLOT / heuristic SHINONOME i Tokyo, Japan, i 2015.

Historiekreditter

Av Grace Samboh