Funksjon: King of Pop Andy Warhol

Andy Warhol var en ledende skikkelse i popkunstbevegelsen, som dominerte samtidskunstscenen fra 1960-tallet. Hans arv er varig. I 2012 monterte Metropolitan Museum of Art utstillingen ‘Regarding Warhol: Sixty Artists, Fifty Years’, og viser 45 Warhol-verk sammen med 100 verk av 60 andre kunstnere som er laget som svar på eller påvirket av hans arbeider. På skjermen var arbeider fra Jean-Michel Basquiat til Ai Weiwei, som spredte utvalget av medier fra malerier til fotografier.

Det er ikke bare innen kunst som Warhols innflytelse er betydelig. I 2014 jobbet Diane von Furstenberg sammen med Andy Warhol Foundation for Visual Arts for å lage en kapselkolleksjon som feiret 40 år av hennes ikoniske pakkekjoler med utskrifter av Warhols verk, for eksempel serien 'Flower', som han begynte i 1964. Tidligere i 2013 hadde Prada brukt den samme serien til motiv i vår / sommer-kolleksjonen. Her er en titt på Warhols bidrag til popkunst, og hvorfor han forblir relevant og populær i dag.

Triple Elvis (Ferus Type), 1963

Fødsel av popkunst

Pop art er en internasjonal kunstbevegelse som begynte på slutten av 1950-tallet og begynnelsen av 1960-tallet. Begrepet ble myntet av den engelske kunstkritikeren Lawrence Alloway i 1958 for å referere til populære kunstformer, som reklame og film. I Storbritannia ble kunstnere som Peter Blake og Richard Hamilton tilknyttet popkunst som kunstbevegelse. Hamiltons berømte verk, ‘Akkurat hva er det som gjør dagens hjem så forskjellige, så tiltalende?’ (1956) inneholdt et stue laget av utklipp fra forskjellige magasiner og fotografier.

Imidlertid eksploderte det i Amerika popkunst slik vi kjenner den i dag på begynnelsen av 1960-tallet, med Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist og Tom Wesselmann som raskt etablerte sine popkunstneridentiteter gjennom kunstverk som omfordelte hverdagens gjenstander til verk av Kunst.

I tillegg til å bruke forbrukerprodukter som tema, adoptert popartister også stilen som ble brukt i produksjonen eller markedsføringen. For eksempel brukte Lichtenstein Benday-prikker - fargede prikker som ble plassert jevnt i et bestemt område, ofte brukt i avis- og magasinreklame - for sine oppblåste rammer av tegneserier.

For Warhol gjentok hans gjentatte silkscreen-utskrift av bilder prosessen med masseproduksjon av forbrukerprodukter. Artisten hadde spurt i et intervju, "Grunnen til at jeg maler på denne måten er at jeg vil være en maskin, og jeg føler at hva jeg enn gjør og gjør maskinlignende er det jeg vil gjøre."

Warhols arbeid som kommersiell kunstner banet vei for popkunststilen hans, som bar den polerte estetikken til reklamekampanjer som han var vant til å jobbe med. Etter utdannelse fra Carnegie Institute of Technology, flyttet Warhol fra Pittsburgh, Pennsylvania, hvor han ble født og oppvokst, til New York i 1949. Han hadde en vellykket karriere som kommersiell kunstner på 1950-tallet, og skapte moteillustrasjoner for Harper's Bazaar og andre magasiner og vindusvisninger i varehus som Bonwit Teller.

Marlon, 1966

Faktisk hadde Warhol fingeren på pulsen på det som appellerte til massene, og demokratiserte kunst med sine lettfattelige verk. Warhol hevdet en gang at seerne tok til popkunst fordi “det ser ut som noe de vet og ser hver dag”. På grunn av tilgjengeligheten appellerte popkunst til et bredt publikum som tradisjonelt ikke var interessert i kunst, og fikk dekning allerede i 1962 i massemediemagasiner som Time and Life.

Ikoniske verk

Det mest gjenkjennelige av Warhols verk er ‘Campbell’s Soup Cans’ (1962), med 32 lerreter som viser håndmalte gjengivelser av de 32 forskjellige soppvariantene Campbell's Soup Company som ble tilbudt den gangen. Disse ble først vist på Ferus Gallery i Los Angeles i 1962 av galleristen på en avsats som om de lå på en hylle som skulle kjøpes.

Mangfoldigheten av et bilde i Warhols arbeid vakte oppmerksomhet på det valgte objektets allmennhet. ‘100 Cans’ (1962) er et annet tidlig verk med Campbells suppekanner. Den ble malt for hånd med bruk av sjablonger. ‘200 One Dollar Bills’ (1962) fra ‘Dollar Bill’ -serien, med et 20-til-10 rutenett med dollarsedler ble opprettet basert på den samme ideen, og ved bruk av samme metode.

En annen husholdningsartikkel som oppnådde ikonisk status i Warhols hender var ‘Brillo Box’, blant annet kartongvarer, som Warhol reproduserte som treskulpturer og silketrykk emballasjen sin på kryssfinerblokker. Disse ble stilt ut på Stable Gallery i 1964.

Serien ‘Død og katastrofe’ er et mindre uskyldig sett med verk, som inkluderer verk som ‘Orange Car Crash Fourteen Times’ (1963). Warhol foto-silkscreenede bilder av tragedie fra aviser gjentatte ganger over et lerret. Dette ble gjort ved overføring av bilder fotografisk til skjermene, en kommersiell trykkingsteknikk han tok i bruk fra slutten av 1962. Resultatet var skarpere bilder enn de håndmalte bildene han tidligere hadde produsert.

Serien ble første gang utstilt på Ileana Sonnabends galleri i Paris, og var kunstnerens første europeiske soloshow. Forresten, Warhols dyreste verk som ble solgt på auksjon til dags dato er fra serien, med ‘Silver Car Crash (Double Disaster)’ (1963) som hentet en hammerpris på 94 millioner dollar på Sotheby’s i november 2013.

Warhol distribuerte også bilder av kjendiser i sitt arbeid, som Marilyn Monroe i ‘The Marilyn Diptych’ (1962) og ‘Gold Marilyn Monroe’ (1962). Den varige appellen til popartistens verk kan sees i prisene de har hentet på nylige auksjoner. Christies New York tilbød i november 2014 'Triple Elvis [Ferus Type]' (1963) med en livsstor Elvis Presley i tre eksemplarer og 'Four Marlons' (1966), en gjengivelse av en still fra kult 1953-filmen 'The Wild One 'med Marlon Brando. De to stykkene hentet henholdsvis 73 millioner dollar og 62 millioner dollar.

Ved å lage kunstverkene sine ved hjelp av readymade-bilder og et transportbåndssystem for utskrift og påføring av farger, var det kontrovers om forfatterskapet til verkene hans, med deres mekaniske produksjon relatert til hendene på assistentene hans i studioet hans, passende kalt The Factory. Dette forhåndsgav praksis mange moderne kunstnere ved å ansette kunstnerassistenter for å lage sine kunstverk basert på ideene de kommer opp med.

Fotografere og filme livet

I et annet prescient trekk, dokumenterte Warhol omhyggelig sin daglige liv på en lydbåndopptaker og et kamera, lenge før fremveksten av sosiale medier som Instagram og etableringen av sosiale påvirkere. Warhol hadde forklart, “Et bilde betyr at jeg vet hvor jeg var hvert minutt. Derfor tar jeg bilder. Det er en visuell dagbok. "

Blant bildene han tok med sitt Polaroid-kamera, som han hadde med seg fra slutten av 1950-tallet, var hundrevis, kanskje til og med tusenvis av stillbilder av alt fra detaljene i hans daglige liv på fabrikken til tiden som ble brukt på steder som Studio 54 på 1970-tallet. Det er ingen overraskelse at han en gang sa: "Min ide om et godt bilde er i fokus og en kjent person." Mange av polaroidene var hodeskudd av kjendiser som jobbet innen musikk, mote og film, og inkluderte mennesker som sangeren Dolly Parton, moteredaktøren Diana Vreeland og skuespilleren Jack Nicholson.

Campbell's Soup Cans, 1962

Ikke bare var Warhols verk ikoniske, han hadde blitt et ikon selv. For eksempel, i stedet for å legge et Warhol-kunstverk på forsiden av utgaven av ArtForum fra desember 1964, som inneholdt artisten, var det et fotografi tatt av ham av skuespilleren Dennis Hopper tessellert på forsiden, som vitner om hans kjendis og hans signaturpop kunststil på en gang.

Mens Warhol fortsatte å lage verk i sin øyeblikkelig gjenkjennelige stil, for eksempel den maleriske silkscreened 'Mao' -serien i lekne fargekombinasjoner på begynnelsen av 1970-tallet, hadde han begynt å bevege seg inn i filmskapingen fra 1963. Han produserte filmer som 'Sleep '(1963), som inneholder opptak av en venn som sover i over fem timer, og den tilsvarende statiske åtte timers lange svart-hvite filmen' Empire '(1964) som viser imperiet State Building fra lys til mørke.

Det var med ‘The Chelsea Girls’ (1966) at Warhol likte kommersiell suksess for sitt filmarbeid. Ulike opptak ble spilt på to skjermer samtidig med samtaler og monologer med musene hans, eller personer han syntes var interessante. De ble kalt Warhol-superstjerner, og hang med på The Factory. Basert på troen på at "alle vil være verdensberømte i femten minutter", rekrutterte han dem til å delta i verkene sine, for eksempel i denne filmen, som inkluderte slike som sanger-låtskriveren Nico og modellen og skuespilleren International Velvet.

Gull Marilyn Monroe, 1962

Leaving a Legacy

Warhol var revolusjonerende når han kom med nye ideer for å fange livet som kunst. Fra illustrasjon til maleri til silketrykk til filmskaping prøvde han på hver tur å prøve innovative måter å fange livets skjønnhet og rare i like store deler. Hans krets av kjendisvenner trodde en innadvendt natur som ga ham en skarp følelse av observasjon av livet, som kommer gjennom i hans visuelt innflytelsesrike verk som fortsatt er etterspurt frem til i dag.

Under Singapore Art Week 2016 vil utstillingen 'Andy Warhol: Social Circus' vises på Gillman Barracks, muliggjort av The Ryan Foundation, satt opp av naturentusiast og kunstsamler Ryan Su i desember 2012 for å fremme naturvern og kunstundervisning , inkludert organisering av kunstutstillinger for publikum.

Utstillingen vil inneholde den største samlingen av Polaroids som noen gang har blitt vist i Asia. Noen 30 Polaroids, trukket fra Ryans samling og en annen utenlandsk privat samling, vil trekke frem hvem som er hvem av kjendiscenen i New York fra 1960- til 1980-tallet, inkludert Warhol selv, samt slike som Bianca Jagger, Paul Anka og Keith Haring .

Kurator Khim Ong, som har jobbet tett med Ryan for å sette sammen showet, ser muligheten til å oppfordre private samlere til på lignende måte å dele samlingene sine med publikum. Hun snakker om verdien av polaroidene som skal vises, og bemerker at siden de ikke ble laget eksplisitt som kunstverk, men muligens som arkivmateriale eller kildemateriale, kan de gi verdifull innsikt i kunstnerens praksis, som i betydelig grad handlet om å lage sitt liv hans kunst.

Art Republik snakker med Ryan Su om sin samling av Warhol Polaroids som en del av hans bredere samleinteresser, hans arbeid med stiftelsen og hva han håper å oppnå med utstillingen.

Race Riot, 1964

Hvordan kom du frem tittelen ‘Andy Warhol: Social Circus’?

Warhol ble oversvømmet av bilder av popkultur i de tidlige, formative årene.Han elsket magasiner, var vitne til innføringen av TV, shoppinggaten i gaten og samlet bilder av stjerner. Denne visuelle kulturen var rettet mot forbrukerisme. Men fra en fattig familie fra Pittsburgh, kunne han ikke delta i det. Som en utenforstående var han en observatør som kikket i. Senere i livet og med full krets omringet kjendiser, kunstnere og motedesignere ham som hans berømmelse som en popkunstner steg høyt. På The Factory and Studio 54 utvidet den sosiale kretsen hans nattlig - til å omfatte sosialitter, armaturer i sølvskjerm og denizens of the New York underverden og motkultur, for eksempel dragkatter og narkomane. Men med sine shenanigans, LSD, alkohol, utbredelse og kunstskaping, ble det snart et ‘sosialt sirkus’.

Når begynte du å være interessert i kunst?

I lang tid fant jeg den typen kunst jeg var interessert i å skremmende henge mot hvite vegger bevoktet av kalde gallerister. Jeg er sikker på at mange som er interessert i å se kunst ville dele den samme følelsen. Forbeholdene mine har vist seg å være sanne til en viss grad. Likevel har jeg møtt noen av de mest varme, snille, sjenerøse og fascinerende menneskene i kunstverdenen. Noe av det jeg ser meg gjøre med The Ryan Foundation er å bryte grensene mellom kunstverdenen og ‘offentligheten’. Å gjøre et show som dette ville gjort nettopp det!

Når begynte du å samle? Har samlingen din et bestemt tema eller fokus?

Kunstsamlingen min startet ved et uhell i London, hvor jeg gikk for å studere kunst. Jeg er inspirert av naturen og samler mange verk som skildrer naturen, selv i abstrakt form - men noen ganger avviker jeg. Jeg samler verk fra bare et lite antall kunstnere. Jeg liker å gjøre min egen research og grave dypt ned i oeuvrene deres, og bygge en meningsfull samling derfra. Jeg liker også å utforske deler av oeuvrene deres som har fått liten oppmerksomhet eller er glemt. Det er denne jakten som holder meg gående.

Hvordan kom du til å eie dine første Andy Warhols Polaroids?

Warhols Polaroids er overbevisende. Den sosiale relevansen til Warhols selvportrett Polaroid er vanskelig å savne i denne verdenen av selfies - der narsissisme, selvadorasjon, perfeksjon og selvbilde gjennomsyrer.

Jeg skaffet meg den første Polaroid da jeg studerte Storbritannia. Men veldig etterpå prøvde jeg å bli kvitt dem og selge dem fordi jeg ikke kunne beholde dem ordentlig. På den tiden hadde jeg ikke et ordentlig kunstlagringsanlegg, og jeg visste at å ta dem tilbake til Singapore ville ødelegge dem, da det tropiske klimaet ikke var det mest ideelle. Flere år senere angrer jeg dypt på beslutningen min om å bli kvitt dem, da jeg hadde noen fantastiske. Nå, med et ordentlig lagringsanlegg, har jeg bygget opp samlingen igjen. Bedre ennå, de har nå et publikum!

Et portrett av kunstsamleren Ryan Su

Hva tror du gjør Andy Warhol til en så viktig skikkelse i samtidskunst og kultur?

Jeg tror at det mer relevante og viktige argumentet for hvorfor Warhol er en så viktig skikkelse, er at han er en visjonær. Warhol hadde enorm framsyn. Han dyppet i ting og stiler som til slutt ville bli trender. Hvem visste at kamuflasjetrykk ville ta moteverdenen med storm, selfies ville være mani eller at folk ville være berømte bare for å være berømte?

Hva er favoritten til Andy Warhol?

Blant favorittene mine i denne utstillingen vil være Bianca Jagger Polaroids. De er sjeldne i den forstand at de danner en triptyk. Det fine med Polaroid er at den eneste måten å ‘reprodusere’ dem på var å knipse flere skudd - og hver Polaroid er unik og spesiell, etter å ha blitt tatt splitt sekunders mellomrom. De viser observatøren hva Warhol selv ser gjennom flere rammer som kjendisemnet hans utgjør, nesten som en animasjon. Bildene med høy kontrast laget av Polaroid-kameraet etterlot pletter og ufullkommenheter - noe som fremmer Warhols streben etter perfeksjon og glamour. Bianca Jagger Polaroids innkapsler signaturstyling og teknikk. Hun er rolig - håret, ansiktet og nakken er helt fantastisk.

Hvordan tok denne utstillingen form?

Jeg hadde ideen om å organisere en privat middagsselskap for å gå sammen med et privat show som skulle inkludere Warhol Polaroids under Singapore Art Week 2016 for mine spesielle gjester som skulle fly inn for kunstmessen og forskjellige arrangementer. Jeg bestemte meg senere for å gjøre det til et offentlig show i stedet. Det ville være fantastisk å dele med alle disse Polaroids som ble tatt for flere tiår siden, og for folk å knytte en forbindelse med selfies i dag.

Historiekreditter

Tekst av Nadya Wang

Denne artikkelen ble opprinnelig publisert i Art Republik

Alle Polaroids med tillatelse fra Ryan Foundation. Alle andre kunstverk med tillatelse fra Andy Warhol Foundation