Til uendelig og utover med Jahan Loh

Dette er ikke et eventyr. Dette er en Luke Skywalker-underdog-historie om Art Republik coverstjernen Jahan Loh (f. 1976), en singaporisk samtidskunstner som for tiden holder til i Singapore; prøver fremdeles å finne et hjem i hjemlandet, og vil nok miste en arm før han endelig gjør det. Hans filosofi om kunst og kunstneren er så grei og så fremtidsrettet som den blir: ”Samtidskunst gir ekko for det moderne livet, ettersom begge deler stadig utvikler seg. Kunstnere må være følsomme for endringene i miljøet, eller det kan vise seg å være farlig hvis de legger ut på sin kreative reise uforberedt. De bør stadig utvikle og endre sin praksis, og bør kontinuerlig strebe etter å introdusere nye visuelle elementer for å stimulere publikum. "

Jahan mener at en kunstner bør være forberedt på å komme videre med den stadig skiftende verden, ikke nødvendigvis for å bryte tradisjonen, men gjenoppfinne den og alltid holde et åpent sinn; det handler om å omfavne endring, ikke kjempe mot den; om å være kommersiell, men ikke selge ut; om selvuttrykk, ikke selvberøvelse; om lidenskap, ikke propaganda.

Jahan var alltid en tur på veien, og avviste en karriere innen jus for en innen kunst da han takket ja til et stipend i kunst ved LASALLE College of the Arts, Singapore, fra Singapore Press Holdings (SPH). Forfatter og kurator Alexandra Chang skriver i sin innledning til Jahans bok, en som kartlegger hans kunstneriske reise fra 2013 og før, med tittelen 'Basic Instructions Before Leaving Earth' (2013), at “[t] han anmassende fokus på abstraksjon på skolen ved tiden sto i motsetning til hans interesse for popkulturelle ikoner og figurative former. I et forsøk på å komme til rette for begrensningene i situasjonen skapte han et verk som innlemmet en negativ evaluering fra foreleseren i programmet og en serie tidligere kritikk på maleriet hans, og siterer Basquiat som sin innflytelse på den tiden ”.

Palm Boy, 2009

Jahan fortsatte med å vinne oppmerksomheten til Nokia, men mistet respekten for kunstavdelingen LASALLE, som knapt passerte ham. Nokia overrakte ham imidlertid en pris på deres Nokia Regional Awards Show 2000, etter et reisegruppeshow som besøkte Singapore, Kuala Lumpur, Taipei, Beijing, Hong Kong og Auckland.

Etter endt utdanning fra LASALLE fortsatte han studiene med hovedfag i design og skaffet seg sin master fra University of New South Wales, før han vendte tilbake til Singapore for å tjene sitt stipendiat i SPH-avdelingen i The Straits Times der han jobbet som kunstner, og skapte tegneserier og infografikk til den nasjonale avisen. Han brøt båndet sitt med SPH i løpet av et år og flyttet til Taipei, Taiwan, i 2002, etter å ha blitt tilbudt jobb der, hvor han jobbet i MACHI Entertainment under Jeffrey Huang, selskapets kreative direktør.

I Taipei fikk Jahan berømmelse for tegningene sine til Machis (hip hop-gruppe) CD-ermet design og bandets musikkvideoer. Han vant flere taiwanske musikkpriser, inkludert MTVs CD-omslag Design of the Year. Med bommen i den taiwanske musikkindustrien satte han opp Invasion Studios i 2004 sammen med Jeff og broren Stanley Huang for å designe albumomslag og musikkvideoer. Med avansementet av nedlastinger av MP3 og musikk, avvist bransjen, og Jahan vendte Invasion Studios retning mot kunst og animasjon, som inkluderer å lage vinylleker. Arbeidene hans både som kommersiell og kunst / gatekunstner markerte en ny tilnærming til kunstpraksis i Taiwan.

Pork Luncheon C, 2011

Jahan er den typen fyr som gjør og ikke tar livet på alvor. Han følger instinktene sine hvor enn de måtte ta ham. Han husker: "Å tenke tilbake, jeg trodde ikke at hele saken ville bli så stor ... men da var vi fortsatt et veldig lite samfunn."

I 2005 reiste Jahan til New York hvor han samarbeidet med sitt barndomsidol John 'CRASH' Matos for å forberede seg på to back-to-back utstillinger satt for juni 2006. Mens han var i New York, møtte Jahan også artisten fase 2, som avsluttet opp med å spille en sentral rolle i å dyrke Jahans identitet som person og kunstner.

"Du har asiatisk rett, men du maler som det vi gjorde på 70-tallet. Så hvor er identiteten din? ” Jahan husker fase 2 spurte ham. "Da han sa det, fikk han meg til å tenke: Det er sant at jeg er kinesisk, jeg er Singaporeaner, men mange mennesker i Kina tror jeg er taiwanesisk, så hva er jeg? Det var denne perioden da jeg virkelig tenkte hardt. ”

The Clash, 2013

Alexandra Chang skriver: "Å komme ut av denne opplevelsen ... [Jahan] begynte å holde penselen på kineserne mao bi utforme og male sitt manusbaserte verk i svart og hvitt, med referanse til kinesisk kalligrafisk tradisjon. Likevel utgjorde dette bare en del av ... [Jahans] kunstneriske tilhørigheter og kryss som kunstner trent på gatene i Singapore, Tokyo og Taiwan, samt kunstskole, og formet av graffitikunstnere fra 1970- og 1980-tallet i New York City og dens bølge av global innflytelse, og det internasjonale fenomenet leketøy, manga og tegneseriekultur. Etter å ha slitt med begrensningene i kunstverdenen og nasjonale etiketter til graffiti og gallerist, design og kunst, og hans egen kulturelle identitet ... [Jahan] befant seg i et rom med flere overlappende identiteter med flere mulige potensielle kategoriseringer. ”

I 2006 ble arbeidet hans med CRASH stilt ut på Esplanade, Singapore, med tittelen ‘Collison I’ og ‘Collison II’. Dette var den første graffitikunstshowet som ble holdt i en formell kunstinstitusjon i Singapore. I 2007 signerte Loh med Mingart Gallery i Taipei og holdt sin første Taipei solo-popkunstutstilling i 2008, ‘Cherry Pop II’. Den kontroversielle utstillingen skildret antydelige nakenmalerier og skulpturer, noe som fikk ham mye oppmerksomhet fra media.

Cherry Pop II, Jahans første Taipei solo-popkunstutstilling i 2008, på Mingart Gallery

“‘ Cherry Pop ’er et konsept som jeg unnfanget i 1998 og aktualiserte i 2003 da maleriene jeg laget for denne serien ble stilt ut i mitt første soloshow i Singapore. Jeg gjorde det ikke bare for å stimulere eller appellere til publikum; det var mer et personlig prosjekt å utforske identitet gjennom et spekter av følelser, ”forklarer Jahan.

Taiwanske kritikere erkjente ham som en av nøkkelartistene som har gjort Singapore pop art internasjonalt. Også det året i 2008 ble han valgt ut til 8Q-RATE, den første utstillingen til 8Q SAM i Singapore. Etter showet tok han et års sabbatsdag før han kom tilbake i 2009 med et soloshow i 798, Beijing, Kina, som ble sponset av VANS; utstillingen ‘The Great Wall’ var landets første gatekunstutstilling.

"Samtidig visuell kultur omfavner en rekke praksis på tvers av fagområder, bransjer og medier," sier Tan Siuli fra Singapore Art Museum. "Av disse har kanskje ingen fått så mye synlighet de siste årene så mye som graffitikunst, delvis drevet av den stigende populariteten til utøvere som Banksy og Shepard Fairey, hvis velsignende kritiske kommentarer pepper det urbane landskapet som tilfeldigheter på gatehjørner og murvegger. ”

I 2010 skapte Jahan malerier og skulpturer av ikoniske popemner som et kollektiv med Jakuan Melendez fra den tidligere 360 ​​Toy Group, og Hong Kong-skuespilleren Edison Chen som gikk av monikeren ‘Etelier des Chene’. Trioen kalte seg ‘Treacherous Treis’ og viste frem arbeidet sitt på Museum of Art & Design, Singapore. Av disse ikoniske popfagene er mest kjent hans ‘Hello Pussy’ (2010) -serie, som i hovedsak er fiberglasskulpturer av en blåtonet Hello Kitty-karakter, hver omringet av en pool av varmt rosa blod.

Alexandra Chang skriver: “Når den tas inn i rammen av det større utvalget av kunstnerens verk, paralleller denne skulpturen ('Hello Pussy') den åpenlyst seksualiserte hukende blå glassfiber kvinnelige formen, omgitt av en rød plastpøl av menstruasjonsblod i 'Cherry Pop Girl 'fra sin' Cherry Pop '-serie. I 'Hello Pussy' skifter verket fra et mer rett frem ungdommelig blikk på kvinnelig seksualitet, og signaliserer i stedet et skuespill om uskyld og de lagdelte og multivalente synspunktene kunstneren er i stand til å samle gjennom å komprimere mange øyeblikk i en enkelt ramme - alt signalisert av et barndomsikon som går over i voksen alder. ”

Etter å ha tilbrakt ni år i Taiwan, flyttet Jahan tilbake til Singapore i 2011 hvor han opprettet serien sin 'Cherry Poke: Reconstructed Philosophies' (2011) som ble stilt ut i forskjellige utstillinger, inkludert et soloshow i 2011 på Esplanade, Singapore, og et gruppeshow i 2012 med tittelen '15 Minutes Eternal ', en Andy Warhols utstilling på ArtScience Museum, Marina Bay Sands, Singapore.

"Jeg ønsket å bryte meg bort fra min gamle figurative stil og lage en serie stilleben som definerer min nasjonalitet som en singaporer, som jeg følte at etter å ha tilbrakt ... år i Taipei, til og med skrev noen kunstkunstblader i Kina at jeg er taiwanesisk, Sier Jahan.

Gone to the Dogs, 2013

Da så 2013 opprettelsen av ‘Working Class Hero’ (2013), der Jahan re-kontekstualiserte ikonografi og popkultur i et soloshow i Chan Hampe Galleries på Raffles Hotel, Singapore. ‘Working Class Hero’ introduserer nye måter å vurdere kjente fortellinger på, og hylle de hverdagens usagte heltene gjennom pop og religiøse referanser som utforsker en moderne undersøkelse av Singapore og utover.

"Disse ikonene hentet fra massemedier handler ikke om å få øyeblikkelig popularitet, men å få en forbindelse for å bringe sosiale finesser i lys, slik at de kan bli ærlig utforsket," sier Jahan. “Fra superheltene som kjemper for rettferdighet i den komiske verdenen til de menneskelige heltene som gjør en forskjell hver dag i den virkelige verden ... ['Working Class Hero' er] en rekord til gjerningene til usettede helter ... Dekonstruksjonen av populære ikoner i min nye serie ble gjort for ikke bare å utføre en kritisk eller filosofisk oppgave, men også en intergalaktisk oppgave: å endre ens oppfatning av virkeligheten og åpne for nye rom for å være og bli; en som fordyper muligheten for nye former, nye kropper og nye sinn. ”

I løpet av de neste to årene publiserte Jahan ‘Basic Instructions Before Leaving Earth’ (2013), en bibel om hans arbeid; deltok i et fire måneder langt botid på ESKFF ved MANA Contemporary, Jersey City, New Jersey, USA; ga opp bachelorhood; gjorde forskjellige bestillingssamarbeid inkludert et med Singapore-basert sneakerforhandler Limited Edt for åpningen av deres niende butikk, hvor han opprettet en livsstørrelse på 150 kg Michael Jordan-skulptur med tittelen ‘Full Metal Twenty Three’ (2014); og begynte å forberede seg på sin nye serie ‘STATIC PARITY:’ (TBA).

Fra å være kjent som 'Dazed-J' da han først foray til street art på begynnelsen av 90-tallet, til å ha sin egen 'jahan-loh' -kode på (muligens den mest populære gatekulturnettstedet i verden) Hypebeast, Jahan er en billedkunstner som er del-fra-fremtiden, del-motkultur, og har teknikker og et tankesett som er del-fine-art, del-street. Arbeidene hans er både highbrow og lowbrow, vittige, men ikke over-intellektualiserte, lekne, men likevel smakfulle. Fra neopop-jenter til intergalaktiske helter, kappekryttere til drage-chasers, er Jahans verden av grafiske vidunder fylt med populære bilder, syrevasket drømmekunst og kryptisk ordspill.

The Risen 1, 2013

Det er uten tvil en av Singapores ledende artister, han har representert Singapore i New York, Los Angeles, Glasgow, Melbourne, Japan, Malaysia, Hong Kong, Korea, Taiwan og Kina; og samarbeidet med massive globale merker som Nike, Adidas, VANS, Sony og Reebok; med verk i mange private samlinger og museer over hele verden. Art Republik fanger opp telepatisk med sine to år jubileum "Jedi Master" coverstjerne (siden jeg var en del av den "Guardians of the Garden City" -kunstneren i utgave fem, Art RepublikEt års jubileumsutgave) for å plukke hjernen på kunstscenen i Singapore, og hva han gjør opp i disse dager.

Du har hatt stints i mange land som New York og Taiwan, hvordan er det å være en kunstner i Singapore? Hva synes du om kunstscenen i Singapore?

Å være borte i nærmere et tiår og komme hjem for å sette opp studioet mitt har vært en skikkelig tur. Jeg innså at regjeringen har bygget et enormt drivhus for å vokse den singaporeiske kunstscenen, i en av de dyreste byene i verden.

Ting skjer mye mer organisk i land som jeg har vist. I løpet av mine åtte og et halvt år i Taipei vokste min karriere innen kunst organisk da jeg ble utsatt for markedskrefter når jeg kom inn i dette kunstfeltet. Jeg visste ikke om de omfattende kunstøkonomiske ordningene og infrastrukturen som ble tilbudt av National Arts Council (NAC) for singaporeiske kunstnere da jeg var i Taipei.

Det var utfordrende for meg å finansiere meg selv og overleve å være kunstner på heltid, styre studioleien min, materialkostnadene og irritere meg rundt forskjellige aspekter ved næring, men jeg antar at alt skjedde av en grunn, og disse forskjellige motbakker og opplevelser spilte en del i å forme min kunstutøvelse.

Through the Fire, 2011

Jeg var uten inntekt i to år da jeg var i Taipei og forberedte meg på mitt første soloshow, og etter den tøffe sesongen, innså jeg at ingenting muligens kunne bli verre hvis jeg kunne leve gjennom det. Når du får overleve i verden uten noe testrør festet, gjør det deg mer spenstig og ikke bare i stand til å overleve, men trives.

Bevilgningssystemet er flott som kickstarter og et godt støttesystem for kunstnere å utnytte ordninger for å oppnå større høyder. Jeg tror at med et godt støttesystem, trenger kunstneren å oppfinne oss selv og tenke utover vårt lokale publikum og skape bevissthet og utvikle et følgende utenlands, og skille ut en nisje. Tilskuddssystemet er et middel, ikke et slutt. Det er ikke bra for artister å være altfor avhengige av det. Mange ganger, selv om tilskuddssystemet ble opprettet for å hjelpe kunstneren vokst, er noen kunstnere for skjeve av det at denne støtten hindrer en kunstners vekst.

Et flertall av lokale kunstnere føler seg redde når de går ut av skolen og risikerer ikke å være kunstner på heltid. De fleste går tilbake til deres komfortsone som underviser på skolen. Med en heldagsjobb på heltid som pedagog, lyser vår lokale ‘kunstner’ måneskinn og skaper kunst på deltid. Jeg ser ikke dette som et sunt tegn, ettersom begge karrierer er kompromittert.

Kreativitet gjelder ikke bare i kunstverkene, men det er en helhetlig tilnærming til hvordan kunstnere driver sin kunstpraksis. Jeg har ofte blitt merket som en kommersiell kunstner fordi jeg ikke passer inn i den tradisjonelle formen av å være en ‘ren’ kunstner med abstrakte konsepter som bare noen utvalgte kan forstå. Min kunst er et refleksivt uttrykk for samfunnet og den forbrukerkulturen som jeg vokste opp i. Popkunst, som er det jeg pleier å klassifisere verkene mine som, må nå ut til massene, for å forenkle abstrakte begreper i elskelige og estetiske behagelige former, det være seg maleri, skulptur eller til og med varer, som jeg til tider vurderer som kunst. Det særegende faktum er at jeg fremdeles vil lage og lage skulpturene mine selv om de ikke tilfredsstiller markedets behov. Jeg vil ikke bøye mitt konsept eller stil. Min kunst og hva markedet ønsker kan løpe parallelt, men de vil aldri møtes.

Dette er hva popkultur handler om; Hvis du liker noe, har du en tendens til å ønske å kjøpe det, så jeg blir forvirret av puristkunstnere som beskriver kunsten min som kommersiell, når de er så overfladiske å bedømme kunsten etter estetikken i den. Dette viser bare hvor myopisk man kan være når man bruker en hel karriere på å overleve i et drivhus som er skjermet for elementene. Store mestere som Salvador Dali tok på seg moderne kommisjoner, og han tegnet til og med Chupa Chups-logoen. Storheter som Picasso, Gaudi og Andy Warhol hadde alle en fot i den kommersielle verden ettersom kunsten deres er relevant for tiden. Dette virker imidlertid som et vanskelig konsept for kuratorer og kunstnere å forstå her i Singapore. Kunstmarkedet vårt er ganske ungt med en akselerert vekst innen infrastruktur og kunstmesser.

Arts er et sentralt instrument for Singapores strek til å bli et første verdensland. Den immaterielle verdien av kunst er en avgjørende komponent for å skyve kunsten ut for å projisere Singapore som en utviklet global by.I Taiwan er den gjennomsnittlige taiwanske middelklassen lagd, og de har det mye vanskeligere enn Singaporere. Likevel slik de føler på kunsten - det er en del av livet deres, tydelig i deres selvuttrykk, hvordan de kler seg, hvordan de forskjønner hjemmene sine, hverdagen sin - omfavner taiwanerne denne livsstilen. Dessverre føler jeg at kunst i Singapore ikke har hatt tid til å vokse organisk; og dette kan ta flere tiår å bygge.

Hva mangler vi i Singapore for å oppnå det?

Vi har flotte gallerier og museer, men dessverre mangler vi innholdet og programvaren for å fylle disse institusjonene. Innhold fyller ikke plass, men for å faktisk trekke publikum som vil se verkene. Jeg tror det er rom for mer innsiktsfulle kuratorer som kjenner strømmen og gir mening for lokal kunst, og som har flere utenlandske kuratorer fra vest for å gi et nytt perspektiv på kunsten vår, da det er vanskelig for oss å se oss selv fra et tredjepersonspunkt av utsikt. Jeg tror også at vi trenger erfarne kunstnere som pedagoger som kan forberede studenter på en karriere som kunstner.

Hva er inntrykket av Singapore kunstscenen i si, New York?

Jeg er ikke veldig sikker på hva de tror, ​​men de fleste New Yorkere tror fremdeles at Singapore er en del av Kina ...

STATISK PARITY (forhåndsvisning)

Fortell oss mer om alle de mer bemerkelsesverdige samarbeidene dine som artist.

Jeg synes samarbeid alltid er interessant, da det bringer kunstner eller organisasjoner sammen for å skape noe nytt. Jeg antar at det mest interessante for meg var å jobbe med John 'CRASH' Matos i Singapores første institusjonaliserte graffiti street art show, som var ganske relevant siden CRASH var et av grunnleggerne i denne kunstformen, og en pioner i New York graffiti kunstner som stilt ut sammen med Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat og Keith Haring. Andre interessante samarbeid var med kommersielle merkevarer som Adidas, Vans og Reebok som ga kunsten min en plattform som skal vises og uttrykkes på et helt annet medium. Jeg hadde mitt første soloshow i Beijing som ble sponset av VANS, og jeg var glad for at menneskene som så på showet ikke bare var folk fra kunstsamfunnet, men fra ungdommer som normalt ikke ville trå inn i et galleri. Jeg tror fortsatt på kunst for allmennheten, og om de får konseptet mitt i et show, blir de i det minste utsatt for det.

Det ser ut til å være en økende trend at kunstnere ikke er de som faktisk lager sine kunstverk lenger. I stedet kommer de bare med ideer, og de har andre mennesker til å lage sine verk, spesielt med skulpturelle verk. Hva er din mening om dette som en kunstner som lager mange skulpturer? Ser du dette som et problem? Tar du del i denne prosessen også? Fortell oss samtidig din kunstneriske prosess.

Jeg antar at det er post-modernismen i full gang ... forfatterdød. Jeg er ganske hendene på meg selv, og gjør alle maleriene mine alene som står for min lave produktivitet, ettersom jeg har en tendens til å være obsessiv tvangsmessig med maleriene mine til de endelig er løst. Med skulpturene mine er de en forlengelse av tenåringshobbyen min til å lage 1/6 skala leker, og de selvlærte ferdighetene jeg plukket opp og deretter lage hodeskulpturer av figurer førte til at jeg skapte kunsten min i 3D fra 2007 i Taipei. Jeg tok fire måneder på å lage min første "Cherry Pop" jenteskulptur i livsstørrelse, som startet fra en maquette. Nylig har jeg jobbet mer med metall og overfører støpeprosessen til et støperi som hjelper til med å lage formen og støpe bronseskulpturene.

Fortell oss om den siste serien din og hva den handler om.

‘STATIC PARITY:’ er serien jeg jobber med nå, og den ble konseptualisert under mitt kunstopphold på ESKFF på MANA Contemporary.

‘STATISK PARITY: GENESIS’: Menns søken etter sannhet og kunnskap er alltid begrenset til størrelsen på hjernen vår. Universet er alltid i en tilstand av statisk paritet og i konstant likhet. Jakten på mannens opprinnelse kan finnes i religiøse tekster både fra jødedom og kristendom. Selv med moderne vitenskap er det umulig å skape liv fra ikke-liv, så hvordan har vi mennesker blitt? Menneskets indre essens er laget av høyere, åndelig energi så vel som energien som materialet utviklet seg til. Massen gjør bare noe materiale synlig dekke av denne energien. På grunn av sin høyere kraft, kan den åndelige påvirke de lavere energiene der materialet også hører hjemme, og det kan kontrollere det. Mennesker som har nådd perfeksjonen på alle livsområder, sa at alt er laget av seg selv.

Fra studien og tolkningen av Adam og Eva forsøker jeg å skape deres åndelige aura i det øyeblikket som mennesket falt.

Historiekreditter

Tekst av Marc Wong

Denne artikkelen ble opprinnelig publisert i Art Republik