Intervju: Kunstner Jane Lee
Singapore-kunstneren Jane Lee er kjent for sitt innovative arbeid i malerier. Hun vender kontinuerlig det tradisjonelle mediet på hodet, og utforsker nye muligheter for å presentere malerier som kunstverk som ikke er begrenset av lerretsens rammer.
For sitt nylig fullførte bosted ved Singapore Tyler Print Institute (STPI) tok Jane en pause fra å male til fordel for å eksperimentere med andre medier, og har skapt en ny gruppe arbeid som vil overraske og glede publikum som er kjent med hennes tidligere arbeider.
Art Republik setter seg sammen med Jane for å finne ut mer om kjærligheten til maleri, utviklingen av arbeidet hennes gjennom årene, og showet hennes, 'Freely Freely' på STPI, som skal kjøres under Singapore Art Week tidligere i år.
Status, 2009
Hvordan har arbeidet ditt utviklet seg gjennom årene? Hva endrer arbeidet ditt fra brikke til brikke?
Jeg ante ikke at jeg skulle bli kunstner på heltid; Jeg hadde ønsket å bli motedesigner. Så uansett begynte jeg med å male. Tanken med å male er at det er et todimensjonalt objekt på veggen, men jeg så gradvis maleriet mitt som installasjoner. For meg er veggen som maleriet er montert på en del av arbeidet, fordi det som er rundt maleriet, samhandler med det.
Hva er det som gjør det å male et så overbevisende medium å jobbe i?
Jeg liker farge, og jeg liker følelsen av å leke med maling. Til og med lukten av maling appellerer til meg. For omtrent 10 år siden, da jeg ble seriøs med å male, begynte jeg å stille spørsmål om hva essensen i maleriet var. Jeg spurte meg selv om det var andre måter å lage malerier på, og så på den tradisjonelle prosessen og teknikkene som gikk ut på å lage et maleri. Slik begynte jeg å spille med mediet.
Caged Birds, 2015
Kunne du lede oss gjennom prosessen med å lage et kunstverk, fra konseptet til utførelsen?
Jeg er veldig en praktisk person. Da jeg først begynte å male den tradisjonelle måten, planla jeg mye og ville sette meg ned og lage komposisjoner for verkene mine. Dette endret seg i 1999, da jeg dro til London for å finne ut mer om samtidskunst. Jeg deltok på et verksted hvor foreleseren kastet maling på papir på gulvet og instruerte klassen å bare spille. Det var en øyeåpner for meg. Og det ble det jeg ønsket å gjøre. Jeg hadde innsett at når jeg planla alt, ville det virkelig ikke være noe liv i arbeidet. Jeg begynte å gå mer med instinktene mine og å leke.
Hvordan vet du når et kunstverk er fullført?
Jeg antar at et kunstverk aldri virkelig kan være ferdig. Hvis et arbeid snakker til meg, er det gjort. Det er mer emosjonelt enn intellektuelt. Jeg snakker mye med maleriet mitt. Det er en interaktiv prosess. Malerier er på en måte levende selv om de ikke snakker. De har visse tendenser. Det foregår en slags forhandling mellom kunstneren og verket i ferd med å lage kunst.
Sett meg gratis VI, 2015
Hvordan går du frem for å velge verktøyene du bruker for å lage kunstverkene dine?
Tradisjonelt er malerier laget med pensler, og vil oftere enn ikke fortelle en historie. Jeg finner verktøy fra hverdagen min, for eksempel kjøkkenutstyr, for å lage kunsten min.
Kunne du lede oss gjennom prosessen med å lage et kunstverk?
Vel, om morgenen, når jeg kommer til studioet mitt, føler jeg meg kanskje ganske lykkelig og vil bruke knallrødt, men når dagen skrider frem, og kanskje jeg hører på sanger, kan humøret mitt endres, og da maleriet mitt kan vise seg å være litt mørk. Jeg liker ikke å tvinge noe til å skje. På en måte avhenger utviklingen av et arbeid av hvordan jeg føler meg på en bestemt dag.
Hvor lang tid tar det deg å fullføre et kunstverk?
For store arbeider kan det ta seks måneder til et år. Noen ganger jobber jeg på et stykke og deretter halvveis, det er ingen energiflyt, og derfor ville jeg lagt det til side foreløpig og kommet tilbake til det på et senere tidspunkt.
Opprulling VI, 2015
Kaster du noen verk?
Mange.
Hvordan bestemmer du hva du skal beholde?
Du vet bare.
Er prosessen med å gjøre kunstverkene dine viktigere enn utseendet til det endelige produktet?
Jeg vil si at hvis det er ute av 100%, teller prosessen 80% og sluttproduktet teller 20%.
Vil du at folk skal være nysgjerrige på prosessen?
Selvfølgelig. Det ville være flott å se utover overflaten og fargene. Jeg vil få dem til å stille flere spørsmål om maleri som medium, og om prosessen med å lage et maleri.
100 ansikter, 2014
Kunne du snakke om din daglige rutine som kunstner?
Jeg starter dagen med yoga og meditasjon. Det er viktig for å holde meg mer i samsvar med meg selv. Så går jeg til studioet mitt og begynner å jobbe. Hvordan jeg jobber er avhengig av fristene jeg har. Hvis jeg har det travelt og må jobbe veldig intenst, si for et soloshow, vil jeg så nekte å gå tilbake i studio etterpå i ganske lang tid. Når det er sagt, er tankene mine alltid å tenke, se meg rundt, lete etter inspirasjon fra mitt daglige liv, enten det er fra en morgenvandring eller i en samtale med noen.
Søker du inspirasjon fra å gå på museet eller delta på andre kunstnerutstillinger?
Jeg unngår faktisk å se for mye av andre kunstners verk. Hvis du ser for mye, vil noen ganger visse ting jeg liker sive ubevisst inn i arbeidet mitt. Hverdagen er min inspirasjonskilde, enten det er fra en morgenvandring eller i en samtale med noen. Ting jeg ser rundt meg, hva folk sier - dette er de små tingene som er inspirasjonskildene mine.
Hadde du noen artister du så opp til da du startet?
Det ville være Robert Ryman. Det som er fascinerende med ham er at han ikke er en maler ved å trene. Jeg tror at fordi han ikke har byrden av å vite hva en maler skal gjøre, er han i stand til å komme med sine forfriskende kunstverk.
Awakening, 2015
Men tror du det er viktig å først lære det grunnleggende?
Jeg tror grunnleggende kunnskap kan tjene en maler godt i å gi teknisk kunnskap, for eksempel med fargeblanding. Når disse ferdighetene først er lært, er det sannsynligvis først når de slippes at noe nytt kan skapes.
Hva kommer først: titlene på maleriene dine eller selve maleriene? Hvordan fungerer titlene, for eksempel 'Status' (2009) som er i den permanente samlingen av Singapore Art Museum eller '100 Faces' (2014), vist på separatutstillingen din i Sundaram Tagore Gallery, Singapore, sammen med maleriene dine for å kommunisere med publikum?
Med ‘Status’ stilte jeg spørsmål ved statusen til maleriet. Jeg ble fortalt av en av kuratorene for Singapore Biennale 2008 at jeg ville være den eneste maleren som stiller ut. Den samtalen ble med meg. Jeg syntes det var overraskende at det var så få malere i kunstscenen da de fleste kunstnere sannsynligvis begynte å bli trent som malere. Jeg tenkte da at kanskje å male som et medium var død og at det ikke lenger var rom i det å spille. Kunstverket er en utforskning av tilstanden til maleriet i den regionale samtidskunstscenen.
Med ‘100 Faces’ husker jeg at jeg tenkte at folk var opptatt av å vise store malerier som var veldig tunge. Jeg bestemte meg for å dele opp arbeidet mitt i 100 mindre og mindre tunge stykker som kunne settes sammen til et stort maleri. I tillegg var det også en kommentar til hvordan et maleri kunne ha mange ansikter, eller at det kan være mange måter å skape et maleri, og videre at folk har forskjellige karakterer som dukker opp i selskap med forskjellige mennesker.
Deler du disse historiene om etableringen av disse kunstverkene med det generelle publikum?
Normalt ville jeg ikke dele, selv om folk skulle spurt, ville jeg være glad for det. Jeg vil ikke pålegge seeren for mye og diktere hva de ser i kunstverkene.
Bare et øyeblikk, 2015
La oss snakke om de nye verkene dine på STPI, som ikke er fokusert på malerier. Det er en ny retning for deg. Er dette en bevisst beslutning?
Jeg hadde ønsket å komme ut av å male en stund, men hadde ikke funnet noen unnskyldning for det. Jeg trodde at dette ville være en god sjanse til å utforske alt annet enn å male og utnytte fasilitetene på STPI. Det var god timing at jeg ble invitert på dette tidspunktet.
Hvorfor tittelen ‘Freely, Freely’?
Jeg ønsket en positiv tittel på showet. Tilnærmingen min til å lage kunsten min er lykkelig. Å bli fanget og være fri er to temaer i utstillingen. Med "Coiling" -serien, for eksempel, kan prosessen med å kveile papiret gi en følelse av å bli fanget. Pinnene i spolene gir et sterkere visuelt uttrykk for å bli fanget. På noen av verkene sitter det fugler på pinnene, som kan sees på som symboler på frihet.
Bortsett fra papirarbeid, jobbet du også med akryl i showet. Hvordan ble det til?
Teamet på STPI er veldig åpent for ideer. Jeg bestemte meg for å eksperimentere fritt, og har inkludert video og animasjon, samt kombinert papir med andre medier, for eksempel papir med lyd og papir med akryl.
Hvordan har teamet på STPI presset din kunstneriske praksis?
I det meste av karrieren har jeg jobbet alene i studioet mitt. Ofte, hvis jeg har disse små sprøtte ideene, hvis det er meg alene, ville det være vanskelig og det kan ta lengre tid, og jeg får ikke jobbe med dem. Å jobbe her på STPI har fått meg ut av komfortsonen min. Det dyktige teamet mennesker her hjalp meg til å brainstorme og se muligheter, og ideene mine kunne realiseres på veldig kort tid.
Tror du etter dette showet vil du tilnærme deg din praksis på en annen måte?
Jeg er en maler av hjertet, og det er fortsatt rom til å leke med maling. Hva slags maleri og om det vil være som det jeg har gjort, er jeg ikke sikker på. Det jeg har oppdaget her på STPI, vil sikkert ha en viss innvirkning, men jeg kan virkelig ikke svare på det tidspunktet hva jeg ville gjort. Jeg liker ideen om ikke å vite det. Hvis jeg allerede vet det, ville jeg ikke gjort det. Jeg vil begeistre seeren, men for å gjøre det, må jeg gjøre det for meg selv først.
Historiekreditter
Tekst av Nadya Wang
Denne artikkelen ble opprinnelig publisert i Art Republik.
Bilder med tillatelse fra STPI
