Intervju: Uji 'Hahan' Handoko
Uji ‘Hahan’ Handoko ble født 1983 i Kebumen og fikk sin start ved Fakultet for kunst ved Indonesia Institute of the Arts i Yogyakarta. I et begivenhetsrikt 2008 ble han utnevnt til finalist i topp 30-årene for Sovereign Art Prize, og påtok seg National Art Studios kunstner i residensprogrammet i Seoul, Korea. Noen av hans mer produktive show inkluderer ArtJog14, Jogjakarta (2014); Den 7. Asia Pacific Triennial of Contemporary Art (2012); National Gallery of Indonesia, Jakarta (2011); Primo Marella Gallery, Milan (2011); Korea International Art Fair, Seoul (2010); Kedai Kebun Forum, Yogyakarta (2010); Biennale Jogja X, Yogyakarta (2009) og Havana Biennale, Cuba (2009).
Alltid beskrevet i en pustende flust av adjektiver: dristig, modig, offbeat, opprørsk, punk… Den flerfaglige kunstneren er preget av en sprudlende nysgjerrig energi - alltid spørrende, alltid skyver grensene for hva som er mulig. Et av hovedaspektene i arbeidet hans, er preget av dualiteten mellom oppfatninger av ‘høy kunst’ og ‘lav kunst’. Å begrave realisme med lag på lag med dramatisk ornamentikk, representerer hans arbeid bruddet mellom urbanisering og agrarianisme, øst og vest, det lokale og det globale. Hahan distribuerer sin film, musikken street-pop påvirker til et idiosynkratisk visuelt språk som kommer sammen som et opprørt trefning på lerretet - dristige farger som han har en velkjent talent for å søle over omrissene. 'Fargelegging-utenfor-linjene' tilfører bevegelsen og spontaniteten som er karakteristisk for hans utgang.
Trinity Series, 2015
Han er en ekte popartist, og prøver hele tiden å gjenoppfinne måter å aktualisere ideene sine på - fra å komme i form av å være sanger i avantgarde-kunst-punk-kunstnerkollektivet Punkasila; hans avvisning av lerret, eksperimentere i ukonvensjonelle medier og underlag; veving av komplekse selvreflekterende metasosiopolitiske spørsmål i ‘lite bryn’, men likevel intrikate kompositter; samarbeid om en kledningslinje med det australske surfe-etiketten Hurley International, til hans besluttsomhet om å gjøre kunsten hans tilgjengelig for samfunnet så mye som mulig - Hahan ser ut til å være spissen for en omveltning helt alene. Art Republik tar tak i artistopprøret for å se hva som skjer.
Arbeidet ditt samler en rekke påvirkninger - film, musikk og gatekultur til et tydelig visuelt språk. Er fortellinger og historier noe du tenker på i praksis?
Hver av påvirkningene du har nevnt, har et annet språk for å fortelle en idé. Hvis jeg bare kombinerer den visuelle formen og hvordan den brukes, kan det hende at den ikke skiller seg fra hverandre. Mer enn det ønsker jeg å grave under overflaten inkludert dens kulturelle og sosiale bakgrunn, og deretter kombinere det med mitt eget synspunkt for å gjøre det til mitt eget visuelle språk.
Folk har karakterisert arbeidet ditt som en kontinuerlig tussel mellom ‘høy’ og ‘lav’ kunst, spørsmål om polariteter mellom øst og vest, lokalt og globalt - hva er det med dualiteter som interesserer deg?
Jeg er en del av en generasjon som til å begynne med hadde svært begrensede kilder til informasjon, men nå, med internett og globalisering, har vi mer tilgang til informasjon fra vest til øst - linjen mellom 'høy' og 'lav' kunst har blitt en uskarp og hybrid. Jeg er i denne posisjonen for øyeblikket, og jeg prøver å reflektere hva som skjer i dag gjennom kunstverkene mine.
One for All, All for One… .Solgt (detaljert visning), 2014.
Hvor mye påvirket oppveksten i Indonesia måten du nærmer deg perspektiver og kunst generelt?
Jeg tror at hvert sted og land har sine egne egenskaper som bevisst eller ikke, vil forme ens kunstnerkarakteristikk. Mange faktorer i Indonesia, for eksempel ulik fysisk utvikling og inntektsfordeling, friksjon av lokal tradisjon og global kultur i avsløringstiden, og spesielt utviklingen av kunstinfrastrukturen, har stor innvirkning på å danne mitt synspunkt og min generelle tenkning . Spesielt i forhold til visuell kunstinfrastruktur, selv om det ikke er noen stadier eller nivåer av kunstneretablering og heller ikke tilstrekkelig støtte fra myndighetene, blir indonesiske kunstnere mer motiverte til å tenke ut av boksen og eksperimentere mer.
Du har nevnt før, hvor artistoppholdet ditt i Seoul var det viktigste punktet i livet ditt som ga deg overbevisningen om å være en moderne kunstner. Hvordan var det i din tid der, hvordan påvirket byen deg og hvordan er den forskjellig fra Indonesia?
På den tiden var Indonesia, spesielt Jogja ... muligheten som kunstner til å gjøre kunstboliger i utlandet en stor og luksuriøs avtale. Det er fordi anbefalingen og lenken var så sjelden å få og vanskelig å konkurrere om, selv mot veldig etablerte artister. For meg ble dette mitt utgangspunkt som overbeviste og motiverte meg til å satse på en karriere som kunstner.
I tillegg til kunstnere og deres arbeider, imponerte Seoul meg også med deres etablering av visuell kunstinfrastruktur som fikk aktiv støtte fra myndigheter og privat sektor. Det åpnet virkelig øynene mine som kunstner. Mine verk og kunstpraksis den gang lå langt bak det jeg opplevde og så der, og jeg følte meg enda mer etter å ha møtt direktøren for Leeum, Samsung Museum of Art.
Jeg møtte ham med en jevnaldrende som var hjemme hos meg. Han spurte først vennen min, som var fra India, hvor han var fra, og han nevnte umiddelbart "Anish Kapoor" som et kjent navn. Han henvendte seg da til meg med det samme spørsmålet, men ba om unnskyldning for at jeg ikke kjente noen kjent indonesisk kunstner. Dette sitter fast hos meg og er en stor del av hvorfor jeg strever med å eksperimentere og skiller meg ut.
Landskapet av universelle problemer, 2016
Fortell oss mer om arbeidet ditt i det indonesiske kunstnerkollektivet punkrock-antrekket Punkasila. Det er ikke det eneste bandet du er i, ikke sant?
Punkasila ble initiert av Danius Kesminas (Melbourne-baserte kunstner) i sitt bostedsprogram med Asia Link gjennom Cemeti Art Foundation i 2005. På den tiden tenkte jeg at det bare var et midlertidig prosjekt, for det første var målet bare å invitere og samarbeide med flere billedkunstnere (inkludert meg) som en del av et rockeband, noe som resulterte i albumet "Acronym Wars". Men så fortsatte det å vokse til et kunstkollektiv, som begynte å invitere utenfor det visuelle kunstområdet. Nå har den kjørt i 10 år.
Mine andre musikkprosjekter som ble laget kollektivt med forskjellige venner er ‘Black Ribbon’ dannet i 2004 og utforsket støy med analog båndopptaker og DIY synth; ‘Hengky Strawberry’ ble dannet i 2007 og fanget den neste bølgen av elektronisk musikk og indonesisk ravekultur; ‘Spectakuler’ ble dannet i 2010, som var samarbeidet mellom ‘Black Ribbon’ og ‘Demi Tuhan’ med Woto ‘Wok’ Wibowo; ‘Anusapatis’ dannet i 2011 og kombinerte en elektronisk musikk og rask grindcore-stil; og ‘N.E.W.S’ dannet i 2013, som er en vokalgruppe som responderte på kuratorisk tekst eller noe tekst spredt i kunstscenen.
Sober Generation, 2013
Hvordan er arbeidsmodus for deg? Er det alltid annerledes, avhengig av og mediet?
Faktisk er arbeidsmetoden min alltid den samme. Det er ingen forskjeller mellom mediene. Vanligvis starter det med en idé eller forestilling, deretter konseptet, og på sluttfasen valg av medium. Hvert slags medium har sin egen politiske verdi, og jeg tror det rette mediumvalget best vil forsterke konseptene og ideene. Forskjellene i arbeidsmetode kan vises, men ikke på grunn av det forskjellige mediet, i stedet på grunn av andres varierende involvering, som arbeider som en individuell kunstner eller et kollektiv. Og når jeg jobber som en del av et kollektiv, blir det lagt til trinn som gruppediskusjon og delt beslutningsprosess.
Er humor en viktig del av arbeidet ditt?
Å bo i Indonesia under en regjering som ikke regjerer med gjensidighet og driver et ustabilt sosialt system, blir selvfølgelig humor viktig, spesielt for at jeg kan se problemene i samfunnet og kommunisere ideene mine med publikum.
Det er kjent at du foretrekker å ha arbeidet ditt i offentlige rom, og at arbeidet ditt er tilgjengelig for noen. Er det viktig for deg, slik at folk får en følelse av spenning, ærefrykt og undring med kunst, uten erfaring eller informasjon som er påkrevd av dem?
Det betyr ikke noe egentlig. Jeg tror at alle med bakgrunn har sin egen måte å glede seg over et kunstverk, med eller uten erfaring eller forhåndsdrevet informasjon. Dette er spenningen ved offentlige rom for meg, der rike og uforutsigbare perspektiver vil dukke opp. For meg er det også viktig at kunsten skal skape nye forhandlingsrom for publikum.
Lucky Country Series # 2, 2013
Du er for tiden merkeambassadør for surf- og streetwear-etiketten Hurley International. Er dette samarbeidet med Hurley noe du alltid har ønsket å gjøre?
Egentlig har jeg også min egen klær- og varelinje som jeg begynte på mitt andre år på kunstskole. Det er en del av strategien min å gjøre kunsten lettere tilgjengelig slik at den kan nå flere mennesker. Jeg har samarbeidet siden den gang.
Med Hurley har de en sterk merittliste i å støtte den visuelle kunstscenen, og det er ingen inngripen fra deres side av min kreative prosess. Mer enn det bruker Hurley ikke bare kunstverkene mine på produktene sine, men de støtter også min andre kunstinnsats individuelt og kollektivt som med Ace House.
Det viktige i dagens kunstverden, spesielt i Indonesia, er å utforske nye muligheter utenfor den eksisterende måten av visuell kunst, og finne nye måter å spre budskapet ditt på.
Hva betyr skjønnhet for deg? Du pleier vanligvis å "farge utenfor linjene", bevisst gjøre arbeidet rotete eller virke ufullstendig. Er kaos noe som fengsler deg?
Jeg liker alltid formen av forsettlig feil. Det er som å vise begrensningen av oss som mennesker. Det fine for meg handler ikke om det perfekte resultatet, det handler mer om prosessen med å nå den perfeksjonen.
Float of the line, 2016
Hva er tankene dine om kunstnerisk uttrykk, sensur og den generelle tilstanden til politisk korrekthet i verden akkurat nå?
Sensur bør ikke en gang eksistere, dessuten skal den komme fra andre mennesker. Det er bare hensynet som kommer fra oss selv, selv om det påvirkes av en annen. Men avgjørelsen tas av oss, og det er det kunstneriske uttrykket.
Denne historien ble først publisert i Art Republik.
