Kunstutstilling i Singapore: 'We Are the World - These Are Our Stories' av Amanda Heng på STPI

"Alle har denne vanen å beholde noe, for eksempel bursdagspresang, suvenirer og så videre," hevder den singapanske kunstneren Amanda Heng, "Hvordan oppfatter vi verdien av denne typen samling? Jeg tror at disse tingene er veldig meningsfulle, ikke bare fordi de kommer fra en venn eller noen som er viktige, men de har også en bredere betydning knyttet til vår identitet, våre verdier og vår tro. ” Dette er forutsetningen for Hengs nye utstilling, 'We Are the World - These Are Our Stories' på Singapore Tyler Print Institute (STPI), fra 7. januar til 25. februar 2017, hvor hun utforsker personlige levde opplevelser, og potensialet deres for å koble seg sammen alle oss.

Utstillingen, som starter STPIs 15-årsjubileumsmarkering, begynte med Hengs bosted på STPI i april 2016, da hun først ba STPI-teamet, og etter hvert andre deltakere gjennom jungeltelegrafen, om å bringe et enkelt skattet objekt. Blant gjenstandene som ble brakt var mynter, en matpakke og en vaskegaffel.

Kunstnerens praksis, som strekker seg over to tiår, har vært basert på samarbeids- og flerfaglige former for kunstskaping. Et av hennes tidlige arbeider var mest kjent for sine performance-kunstverk 'Let's Chat' (1996), der hun pratet med publikum mens hun drakk te og fjernet tips om bønner, for å minne om enkle livsgleder fra en svunnen tid i møte med materiell fremgang i Singapore. Forresten, dette skjedde under Hengs første opphold på STPI.

Et annet arbeid som involverte publikumsdeltagelse var ‘Let’s Walk’ (1999), der kunstneren og medlemmene av publikum gikk bakover med høye hæler i munnen, og fortsatte sin vei med hjelp av håndholdte speil. Dette var en kommentar til Singapore kvinners motivasjon til å forskjønne seg for å beholde jobben i kjølvannet av den asiatiske finanskrisen 1997.

Etter dette ble Heng fotografert kledd ut i Singapore Airlines flyvertinnes kebayauniform på kulturminner i ‘Singirl’ (2000) for samtidig å stille spørsmål ved kvinnelige stereotyper og nedrivning av disse stedene for økonomisk utvikling. Det ble utvidet i 2011 da Heng inviterte andre kvinner til å bli med henne for å danne en ‘Singirl’ kontingent på nettet, ved å sende inn fotografier av de nakne bunnene deres, som deretter ble lastet opp til et offentlig galleri anonymt. Dette var i en forespørsel om flere spørsmål nær Hengs hjerte, inkludert kjønnspolitikk og identitet.

Hengs nåværende prosjekt fortsetter i denne synergistiske tradisjonen. Heng jobbet tett med 12 deltakere for å avdekke historiene bak gjenstandene de verdsatte. Det var en felles innsats, med streng forskning utført av både kunstneren og deltakerne. "Hver deltager hadde med seg et objekt og delte historien sin, og gjennom det, innså vi at vi trengte å vite mer, og slik at de ville gå tilbake til familien eller noen som kunne fortelle dem mer om objektet," sier Heng. ”Forskningen var avhengig av deltakerne fordi gjenstandene tilhørte dem. Min rolle var å fremheve ting som jeg trengte å vite mer om. ”

Prosessen var ment å være åpenbarende ikke bare for artisten, men også for deltakerne, og Heng sørget for at dette skjedde ved å ta ting sakte. Heng sier: “Betydningen eller verdien av disse gjenstandene blir tydeligere for eierne deres etter at de har utført forskningen, og gjennom å dele historier mellom meg og deltakerne. Med andre ord, før og etter å ha laget dette prosjektet, vil måten de ser på dette objektet være annerledes. ”

Etter hvert som forskningen brettet ut mer informasjon, bestemte Heng seg for å lage collageverk for å fange opp det hun pakket ut med deltakerne fra objektene. Collageverkene har forskjellige former innenfor rammer i samme størrelse ved bruk av utskrift og papirfremstilling, fra papirutskjæringer av bougainvillaea i ett til Polaroid-bilder i et annet. "Jeg startet hele saken uten noe visualisert resultat," sier Heng. ”Jeg ville bare la hele prosessen gå og fortsette slik at den etter hvert blir beriket med mye materiale. Det ble da tydelig for meg at det måtte være en collage. ”

For å bevare og presentere de enorme mengder informasjon som ble produsert fra forsøket, bruker utstillingen Quick Response (QR) -koder for å gi ytterligere data til collagene for å fortelle hvert objekts historie. “QR-koden ble til fordi delingen skjedde gjennom mange modus, for eksempel tekster og lyd. Vi samlet selvfølgelig mye bilder og video, sier Heng. "I stedet for å velge og kassere materialer, ble QR-koden en interessant måte å engasjere bredere publikum til å komme inn på." Besøkende skanner koden med en mobil tagging-app på en smarttelefon, som vil lenke til korte videoer, intervjuer og lysbildefremvisning.

QR-kodene får en fremtredende plassering i utstillingen. I stedet for å vises i sitt vanlige, svart-hvitt-format med beskjedne størrelser, blir det gjengitt i samme størrelse som collagearbeidet og i samme fargevalg som collagearbeidet, og det supplerer det, og understreker viktigheten av forskningsresultatene.De utvider publikums deltakelse i kunstverket, og gir eierskap til publikum av opplevelsen av kunstverket, enten de velger å finne ut mer om et visst kunstverk eller ikke om andre.

Skanner QR-koden som følger med et lappeteppe av brunt papir som er påskrevet tekster som "Japan", "Australia", "Singapore" og "Anchor In Me = Home", og tegninger av mennesker som en mann som har hatt, vi blir brakt til en fire minutters video med tittelen 'Haruka / Leaf with a Name', der vi ser baksiden av en kvinne, antageligvis av deltakeren Haruka, som påtar seg rollen som dirigent for en japansk sang om livet levd som eksemplifisert av et blad. Selv om hvert collageverk ikke direkte kan tilskrives hver deltaker, ettersom alle verkene er ett, blir de anerkjent i katalogen.

I et annet verk som skjedde fra minnet av en som gikk bort, fører QR-koden til et radioprogram om prosessen med legning, slik at det personlige arbeidet kan åpnes opp på en mer generell måte. “De er faktisk større innhold eller flere historier fra andre mennesker, fra allmennheten. Dimensjonen var veldig annerledes og ikke bare om meg selv og det andre individet. Den tar for seg det større bildet og forholder seg fortsatt til dette objektet, sier Heng.

Mens prosjektet tar for seg minner, bemerker Heng at det ikke handler om nostalgi. For eksempel er et av gjenstandene en vaskegaffel laget av grenen til et guavatre, brakt av barnebarnet. For dette ønsket Heng å understreke deltakernes bestemors kreativitet, og hvordan folk generelt nøyer seg med det de har til rådighet. Her kunne mormoren se at guavatreet var det beste valget for vaskegaffelen basert på hennes kunnskap om miljøet gjennom sin rike opplevde erfaring.

For å fremheve menneskets universelle tilbøyelighet og evne til å være ressurssterke, kobler Heng opprettelsen av denne spesielle vaskegaffelen til oppfinnelsen av fjernsynet, som skjedde omtrent samtidig av Philo Taylor Farnsworth, den foreløpige ideen som han hadde utviklet seg for fremdeles på videregående. Det er en feiring av menneskelig kreativitet som har potensial til å forbedre ens liv og de rundt oss, og noen ganger for hele verden.

Heng demonstrerer gjennom utstillingen at den individuelt levde opplevelsen, uansett hvor personlig den opprinnelig kan fremstå, er relatabel og universell, og at historier har makt til å få oss til å forstå oss selv og hverandre bedre.

Denne artikkelen ble først publisert i Art Republik.